Lecturas de la sociedad literaria (Oscar Wilde y el teatro de Fin de Siglo)

 

El teatro finisecular es, sin duda, el más interesante que presenta la segunda mitad del siglo XIX. Acoge características del teatro realista en su afán de reflejar la vida con toda su complejidad, ahondando en la psicología de los personajes.

El teatro más interesante de la época es el escandinavo. Destacan el sueco August Strindberg (1849-1912) y el noruego Henrik Ibsen (1828-1906) con dramas que plantean problemáticas sociales al tiempo que se llenan de lirismo y simbolismo.

El primero es autor de, entre otras, La señorita Julia, que expone los conflictos entre clases sociales,los sexos:  el amor, lujuria . Se percibe además la influencia del Naturalismo con un fuerte toque de determinismo. Además de ser representada en el teatro en muchas ocasiones también fue llevada al cine por la directora sueca  Liv Ullmann

De Ibsen hay que destacar, sin duda, su obra Casa de muñecas. La protagonista de la misma, Nora abandona la seguridad mediocre de un matrimonio donde no se siente realizada (como tantas heroínas de este tiempo), en aras de una libertad que le permita vivir más auténticamente.

A teatro de las ideas (en el que los conflictos son interiores, aunque se discuten en escena) se añade la estética simbolista, introducida en las tablas por el francés Maurice Maeterlinck (1862-1949), quien nos presenta estados anímicos en un mundo irreal y simbólico.

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Oscar Wilde además de escribir las cartas que guardaba Isolda nos dejó poesía, relatos, novelas, epístolas (De profundis, redactada en la cárcel tras sufrir una condena de dos años por su homosexualidad) y diversas obra de teatro.

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Precisamente de su teatro hablan algunos personajes de la novela La sociedad literaria del pastel de piel de patata de Guernsey. En una carta dirigida a Sophie, Juliet le cuenta que Isola le dijo a Sidney:

“Luego se volvió a sentar y empezó a hablar sobre las obras de teatro de Oscar Wilde. ¿No eran buenísimas? Sophie, ¿no te habría gustado estar allí? A mí sí.”

Estas se caracterizan por su estilo elegante y depurado, la crítica ácida a los convencionalismos sociales y su humor irónico e inteligente En su escritura se percibe la influencia del Simbolismo francés y del decadentismo, ambas especialmente presentes en el drama bíblico Salomé.  En esta obra hace una interpretación del personaje bíblico pero no se centra solo en su crueldad, sino en sus sentimientos de soledad y en su pasión prohibida e incontrolable. Salomé, rechazada por san Juan Bautista, que le niega un beso, baila ante su padrastro el rey Herodes, a cambio de un favor: la cabeza de Bautista, cuyos labios muertos besa al final de la obra. Lía, esta danza es para ti:

Otras obras escritas por el autor son:

  • La importancia de llamarse Ernesto. Es una comedia que trata sobre las costumbres y la seriedad de la sociedad. La obra fue llevada al cine en varias ocasiones. En la versión en 2002, se lleva a cabo como una comedia romántica dirigida por Oliver Parker.
  • Una mujer sin importancia. Esta obra se sirve de todos los personajes para caracterizar el carácter inglés de la época victoriana de finales del siglo XIX.
  • Un marido ideal. En esta obra el autor nos da lecciones sobre la rigidez de las condenas morales que se imponen al ser parte de una sociedad.
  • El abanico de Lady Windermere. Trata sobre la infidelidad de Lord Windermere a su mujer.

Otro momento de la obra en el que este autor aparece citado es en una misiva de Juliet a Sidney, en la que le cuenta a este cómo encontró las iniciales del nombre de Oscar Wilde en la firma de unas cartas que pertenecían a la abuela de Isola. Finalmente, las cartas resultan ser de dicho autor:

“Sidney, el autor había firmado las cartas con gran elegancia:

Muy sinceramente tuyo,

O. F. O’F. W. W.

Sidney, ¿te lo imaginas? ¿Podría ser que Isola hubiera heredado ocho cartas de Oscar Wilde? […]”

La entrada está redactada a partir de un texto de Tamara Pérez González

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¡Hagan espacio para el teatro!

Así que, aquí estamos una vez más. Reunidos de nuevo en la primavera, 55 años desde nuestra reunión inaugural, para celebrar el Día Mundial del Teatro. Solo un día, 24 horas, se dedica a celebrar el teatro en todo el mundo. Y aquí estamos en París, la ciudad principal del mundo para atraer a grupos teatrales internacionales, para venerar el arte del teatro.
París es una ciudad mundial, apta para contener en un día de celebración, las tradiciones del teatro mundial; desde aquí en la capital de Francia, podemos transportarnos a Japón experimentando el teatro Noh y Bunraku, trazar una línea desde aquí a pensamientos y expresiones tan diversas como la Ópera de Pekín y Kathakali; el escenario nos permite permanecer entre Grecia y Escandinavia mientras nos envolvemos en Esquilo e Ibsen, Sófocles y Strindberg; nos permite volar entre Gran Bretaña e Italia mientras reverberamos entre Sarah Kane y Pirandello. En el curso de estas veinticuatro horas podemos ir de Francia a Rusia, de Racine y Moliere a Chejov; incluso podemos cruzar el Atlántico como un rayo de inspiración para servir en un Campus en California, atrayendo a un joven estudiante allí a reinventarse y hacerse un nombre en el teatro.
De hecho, el teatro tiene una vida tan próspera que desafía el espacio y el tiempo; sus piezas más contemporáneas se nutren de los logros de los siglos pasados e incluso los repertorios más clásicos se vuelven modernos y vitales cada vez que se representan de nuevo. El teatro renace siempre de sus cenizas, mudando sólo sus convenciones anteriores en sus nuevas formas: así es como se mantiene vivo.
El Día Mundial del Teatro obviamente no es un día cotidiano para ser integrado con el discurrir de los demás días. Nos da acceso a un inmenso espacio-tiempo continuo a través de la pura majestuosidad del canon global. Para tener la capacidad de conceptualizar esto, permítanme citar a un dramaturgo francés, tan brillante como discreto, Jean Tardieu: al pensar en el espacio, Tardieu dice que es sensato preguntar “¿cuál es el camino más largo de uno a otro?”…Sugiere medir el tiempo “en décimas de segundo, el tiempo que se tarda en pronunciar la palabra ‘eternidad’ “… Para el espacio-tiempo, sin embargo, dice: “antes de que te duermas, fija tu mente en dos puntos del espacio y calcula el tiempo que toma, en un sueño, ir de uno a otro”. Es la frase en un sueño la que siempre se ha quedado conmigo. Parece como si Tardieu y Bob Wilson se hubieran conocido. También podemos resumir la singularidad temporal del Día Mundial del Teatro citando las palabras de Samuel Beckett, que hace que el personaje de Winnie diga, en su estilo expeditivo: “Oh, qué hermoso día habrá sido”. Al pensar en este mensaje, que me siento honrada de haber sido invitada a escribir, recordé todos los sueños de todas estas escenas. Como tal, es justo decir que no vine sola a esta sala de la UNESCO; cada personaje que he interpretado está aquí conmigo, papeles que parecen desvanecerse cuando cae la cortina, pero que han tallado una vida subterránea dentro de mí, esperando para socorrer o destruir los papeles que siguen; Phaedra, Araminte, Orlando, Hedda Gabbler, Medea, Merteuil, Blanche DuBois

Angélica lo ha vuelto a hacer, por Machús Osinaga

La actriz, Angélica Lidell,  en Carta de San Pablo a los Corintios

Imagen extraída de aquí

También, complementándome mientras estoy hoy ante ustedes, están todos los personajes que amé y aplaudí como un espectadora. De esta forma, por lo tanto, pertenezco al mundo. Soy griega, africana, siria, veneciana, rusa, brasileña, persa, romana, japonesa, una newyorquina, una marsellesa, una filipina, una argentina, una noruega, una coreana, una alemana, una austriaca, una inglesa – una verdadera ciudadana del mundo, por virtud del ensamblaje personal que existe dentro de mí. Ya que es aquí, en el escenario y en el teatro, donde encontramos la verdadera globalización.
Laurence Olivier anunció en el Día Mundial del Teatro en 1964 que, después de más de un siglo de lucha, se acababa de crear un Teatro Nacional en el Reino Unido, al que inmediatamente quiso transformar en un teatro internacional, al menos en términos de su repertorio. Sabía muy bien que Shakespeare pertenecía al mundo.
Al investigar la escritura de este mensaje, me alegró saber que el mensaje inaugural del Día Mundial del Teatro de 1962 fue confiado a Jean Cocteau, un candidato apropiado debido a su autoría del libro Around the World Again in 80 Days (Alrededor del mundo otra vez en 80 días). Esto me hizo darme cuenta de que he ido alrededor del mundo de una manera diferente. Lo hice en 80 representaciones o en 80 películas. Incluyo películas en esta celebración ya que no hago distinciones entre interpretar en el teatro o interpretar en películas, lo que incluso me sorprende cada vez que lo digo, pero es cierto, así es, no veo diferencia entre los dos.
Hablando aquí no soy yo misma, no soy una actriz, soy una de las muchas personas que el teatro usa como un conducto para existir y es mi deber ser receptivo a esto – o, en otras palabras, nosotros no hacemos que el teatro exista, es más bien gracias al teatro que existimos. El teatro es muy fuerte. Resiste y sobrevive a todo, guerras, censores, penuria.
Basta con decir que “el escenario es una escena desnuda de un tiempo indeterminado” – todo lo que necesita es un actor. O una actriz. ¿Qué van a hacer? ¿Qué dirán? ¿Hablarán? El público espera, lo sabrá, porque sin el público no hay teatro – nunca lo olvidéis. Una sola persona es ya una audiencia. Pero ¡esperemos que no hayan demasiados asientos vacíos! Las realizaciones de las producciones de Ionesco están siempre llenas, y él representa este valor artístico franco y hermoso teniendo, al final de una de sus obras, una la vieja señora que dice; “Sí, sí, muere en plena gloria. Muramos para entrar en la leyenda… al menos tendremos nuestra calle… ”
El Día Mundial del Teatro lleva 55 años existiendo. En 55 años, soy la octava mujer en ser invitada a pronunciar un mensaje – si se puede llamar a esto un “mensaje” -. Mis predecesores (oh, cómo se impone la masculinidad de la especie) hablaron del teatro de la imaginación, la libertad y la originalidad para evocar la belleza, el multiculturalismo y plantear preguntas sin respuesta. En 2013, hace apenas cuatro años, Darío Fo dijo: “La única solución a la crisis radica en la esperanza de la gran caza de brujas contra nosotros, especialmente contra los jóvenes que quieren aprender el arte del teatro: así una nueva diáspora de actores surgirá que indudablemente extraerán de esta limitación beneficios inimaginables al encontrar una nueva representación”. Beneficios inimaginables – suena como una buena fórmula, digna de ser incluida en cualquier retórica política, ¿no les parece? …
Como estoy en París, poco antes de una elección presidencial, quisiera sugerir que aquellos que aparentemente anhelan gobernarnos deben ser conscientes de los beneficios inimaginables que produce el teatro. Pero también me gustaría destacar, ¡no a la caza de brujas!
El teatro representa para mí el otro en su diálogo y es la ausencia del odio. “Amistad entre los pueblos” – ahora, no sé mucho sobre lo que esto significa, pero creo en la comunidad, en la amistad entre espectadores y actores, en la unión duradera entre todos los personas que el teatro reúne – traductores, educadores, diseñadores de vestuario, artistas de escena, académicos, profesionales y audiencias. El teatro nos protege; nos da cobijo… Creo que el teatro nos ama… tanto como lo amamos nosotros…
Recuerdo un director de escena para el cual trabajé, que, antes de que subiera la cortina nocturna gritaba, con plena firmeza de garganta “¡Hagan espacio para el teatro!” – y éstas serán mis últimas palabras esta noche. Gracias

Mucho ruido y muchas nueces

“Todo se disipará, e igual que se ha esfumado mi etérea función, no quedará ni polvo. Somos de la misma sustancia que los sueños, y nuestra breve vida culmina en un dormir”

 La tempestad, acto IV, escena I

De Shakespeare todo el mundo ha oído hablar. De su teatro ( aquí tenéis la presentación vista en clase) no podemos decir “mucho ruido y pocas nueces”, como su afamada comedia. Más bien, todo lo contrario.  Su extensa obra, como ya sabéis, puede clasificarse en tres bloques: comedias, tragedias y dramas históricos. Muchísimas veces han sido interpretadas en escenarios de todo el mundo y también llevadas al cine y a la ópera. Aquí queda una pequeña muestra de ello:

Comedias

El enredo de raíz clásica (Plauto, Terencio…) e italiana fueron el punto de partida para la elaboración de las comedias de Shakespeare. Los elementos más característicos del enredo (los malentendidos, el uso del disfraz, las intrigas de giros inesperados…) conforman la base de estas obras. En ellas el autor estudia todas las clases sociales por lo que constituyen un buen reflejo de la sociedad. Pero sus personajes están lejos de ser meros estereotipos: son criaturas de carne y hueso perfectamente individualizadas. Sin pretender ser aleccionadoras, de sus comedias se infieren los peligros de las actitudes nocivas, pero siempre se resuleven felizmente.

Son buena muestra de todo ello las comedias de la primera etapa del autor entre las que se destacan La comedia de las equivocaciones  La fierecilla domada. Esta última procede, al parecer, de un cuento de El conde Lucanor, tituladoLo que sucedió a un mancebo que casó con una muchacha muy rebelde“. ) 

La obra se basa, en principio, en el carácter díscolo y malhumorado de Catalina Minola, mujer que ahuyenta, no pocas veces a golpes, a cuantos pretendientes se interesan por ella ante su padre. El asunto no tendría mayor transcendencia si no fuese porque, según la costumbre, el padre de Catalina, el rico Don Bautista Minola, se niega a entregar en matrimonio a su hija menor, Blanca, hasta que no haya casado a la mayor; para desconsuelo de los ambiciosos aspirantes a su mano, Hortensio, Gremio y Lucencio. Tanto la llegada a la ciudad por parte de Petruchio, un joven ambicioso y despreocupado, así como su disposición de cortejar a la áspera Catalina, proporciona a los pretendientes de Blanca una esperanza para la que unen sus esfuerzos a los esfuerzos del ya casi desesperado Bautista. Este planteamiento inicial se desarrolla en forma de diversas situaciones de enredo y abundantes diálogos ocurrentes. El ingenio verbal se convierte sin duda en la más contundente de las armas. Además, destaca también sin duda el doble banquete nupcial con que concluye la obra y que constituye todo un giro inesperado a la situación de partida. (Información copiada de aquí)

Fue llevada a la gran pantalla bajo el nombre  La mujer indomable

A esta comedia le siguen, entre otras,  El sueño de una noche de verano, Las alegres comadres de Windsor y El mercader de Venecia. 

El sueño de una noche de verano era la obra que Neil, el protagonista de El club de los poetas muertos, acaba interpretando pese a las prohibiciones de su padre:

Podéis leer más sobre la obra en esta entrada anterior o leerla completa aquí.

Con respecto a Las alegres comadres de Windsor, la comedia, ambientada en Inglaterra,  cuenta dos historias independientes: por un lado, los infructuosos intentos de Sir John Falstaff por seducir a las señoras Ford y Paige (las alegres comadres que dan título a la obra), y, por otro lado, las peripecias de los tres pretendientes de la hija de la señora Paige. En Windsor, Sir John Falstaff busca una solución a sus problemas económicos a través de alguna señora acaudalada. Para probar suerte, envía cartas de amor idénticas a las señoras Ford y Paige, pero estas, amigas, descubren el engaño y deciden burlarse de Sir John, y lo citan en casa de Ford. Por otro lado, los maridos también descubren los planes de Falstaff, informados por los resentidos sirvientes de Falstaff. El señor Paige confía en su esposa, pero Ford se ve dominado por los celos y, haciéndose pasar por un tal Broom, paga a Falstaff para que seduzca a la señora Ford. Por otro lado, la hija de los Paige tiene tres pretendientes: Slender (favorito de su padre), el doctor francés Caius (preferido de la señora Paige) y el joven Fenton, que es de quien la chica está realmente enamorada. (Aquí puedes continuar leyendo su argumento y aquí la obra completa)

John Falstaff el protagonista principal  ha sido inspiración para multitud de obras posteriores en la literatura (incluso del propio Shakespeare, como veremos), la ópera y el cine por su carácter festivo, fanfarrón y vanidoso.  Destaca Falstaff , la comedia lírica operística en tres actos con música de Giuseppe Verdi:

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También aparecen dos historias en la comedia El mercader de Venecia.  Por un lado, la doble entre de Bassanio-Gratiano y Portia-Nerissa, y, por otro, la de Jessica (hija de Shylock) con Lorenzo. Todo ello, presidido por la relación entre Antonio y Shylock. Bassanio quiere cortejar a la rica heredera Portia, pero precisa de una importante suma de dinero para hacerlo, pues ha de hacer un viaje y comprar ropas lujosas. Su buen amigo el mercader Antonio se ofrece a prestárselo pero, por no disponer de esa cantidad todavía (está a la espera de unos barcos con un cargamento), recurre al prestamista Shylock. Éste accede, pero con una condición: si no le devuelve el dinero, se cobrará la deuda con una libra de la carne de Antonio. La razón de tan extraño deseo es que Shylock odia a Antonio por una humillación a la que lo sometió. Bassanio tiene éxito en su cortejo de Portia (ella -por consejo de su difunto padre- le pide que elija entre tres cofres: uno de oro, otro de plata y otro de plomo, y Bassanio elige el correcto, el de plomo, lo que hace parecer que no le interesa el dinero de ella), pero los barcos de Antonio no llegan, por lo que no puede saldar su deuda económica con Shylock. Por tanto, tendrá que hacerlo con su carne. Para poner la cosas peores, la hija de Shylock se ha fugado con el cristiano Lorenzo. (Aquí encontrarás más información sobre la obra y en este enlace puedes leer la obra completa).

Trailer de la película dirigida por Michael Radford.

Comedias ya mucho más maduras son: Mucho ruido y pocas nueces, Como gustéis y  Noche de Reyes. 

Este fragmento está extraído de la película homónima Mucho ruido y pocas nueces:

 La obra se centra en el amor y el daño que los malentendidos o la traición pueden causar. Desarrolla de principio a fin dos tramas paralelas que funcionan en perfecta sincronía: la historia de amor de Claudio y Hero roza la tragedia mientras que la rivalidad de Beatriz y Benedicto es más jovial y desenfadada.

Por una parte, Claudio y Hero forman la pareja de enamorados que viven en un mundo idílico hasta que esta se rompe por la intervención del ruin Don Juan. Este personaje es un bastardo despechado y rencoroso que desea vengarse del condecorado Claudio. Finalmente, la intervención del alguacil Dogberry solucionará el conflicto. Por otra parte, Benedicto, desde su primera aparición muestra un humor hiriente y desdeñoso hacia las mujeres y hacia el amor, siendo el centro de sus críticas la joven Beatriz, sobrina del gobernador Leonato y prima de Hero, que derrota a Benedicto en sus duelos verbales. La rivalidad de la pareja se irá trocando en amor según transcurre la acción.  (Información extraída de este blog de literatura). Podéis leer la obra completa aquí.

Como gustéis es la segunda del trío de las Grandes Comedias de Shakespeare, que empezó con Mucho ruido y pocas nueces y se cierra con Noche de Reyes. Se trata de una comedia deliciosa, en la que realmente pasan pocas cosas, pero lo hacen de un modo absolutamente encantador. Además, incluye a Rosalind, uno de los grandes personajes femeninos de Shakespeare (seguramente, el mejor de comedia) y el celebérrimo monólogo que comienza: “Todo el mundo es un escenario y los hombres no son más que actores”. La obra cuenta la historia de Orlando y Rosalind. Él es el hijo de un noble difunto al que su hermano Oliver maltrata. Harto de esta situación, marcha en busca de fortuna a la corte del duque Frederick (quien, a su vez, ha destronado a su hermano, el duque Senior). Allí, Orlando combate y vence al mejor luchador del duque. Rosalind -hija del duque Senior- y su prima Celia asisten al combate. Rosalind y Orlando se enamoran al instante.

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Irritado, el duque Frederick destierra a Rosalind, y ordena a Oliver que haga que maten a Orlando. Rosalind y Celia escapan al bosque de Arden disfrazadas de muchacho, acompañadas del bufón Touchstone. Al bosque también huye Oliver, al que le han informado de los planes de su hermano para matarle. Le acompaña su fiel sirviente Adam (como anécdota, la tradición dice que este fue el papel que Shakespeare se reservó para interpretar él en persona). En dicho bosque vive el depuesto duque Senior con un puñado de fieles seguidores . También allí habitan los pastores Silvius, Phebe y Audrey, y el el amargado y nostálgico noble Jaques. Puedes continuar leyendo el resumen aquí o la obra completa pinchando en este enlace.

Como gustéis fue interpretada en el teatro, entre otros, por la compañía de Centro Dramático Nacional

Creada en 1601 o 1602, Noche de Reyes  es muy probablemente la obra que Shakespeare escribe a continuación de Hamlet. El hilo argumental gira en torno a una trama principal: el triángulo amoroso entre el duque de Orsino, la noble dama Olivia y una joven llamada Viola (a los que los otros dos toman por un joven llamado Cesáreo). Una trama secundaria se centra en el enfrentamiento entre Malvolio -el estirado mayordomo de Olivia- y el trío formado por Sir Toby Belch (tío de Olivia), Sir Andrew Aguecheek (pusilámine personaje que pretente cortejar a Olivia) y Maria (mujer al servicio de Olivia). Por último, una tercera linea argumental nos habla de la relación entre Sebastián (hermano gemelo de Viola, al que ella cree muerto) y su leal amigo Antonio. Toda la historia es contemplada -y comentada- por Feste. el lúcido bufón de Olivia. Se ha producido un naufragio, y una mujer llamada Viola llega a las costas de Iliria. Viajaba con su hermano gemelo Sebastián, que cree que se ha ahogado. En Iliria, se hace pasar por un chico llamado Cesario para ser aceptada al servicio del duque de Orsino, cuyo confianza se gana rápidamente. Por esto, Orsino le pide que vaya a cortejar en su nombre a Olivia, una dama de la que está enamorado y que se niega a recibirle por estar ella de luto por la muerte de su hermano. Tras una primera entrevista. Cesareo no consigue que Olivia acepte a su señor. Muy al contrario Olivia se enamora de él. Por otro lado, Malvolio reprende a Sir Toby y Sir Andrew por estar armando bronca a las tantas de la noche. Molestos, deciden vengarse. María, la dama de compañía de Olivia, les propone un divertido plan. Aquí puedes seguir leyendo sobre la obra y aquí encontrarás la comedia completa. Un breve fragmento de la película basada en la obra de teatro.

 Las tragedias

En la tragedia es donde el genio de Shakespeare se muestra con mayor brillantez. Es este género también es el que le ha granjeado la máxima gloria. La creación de estas obras se concentra  en unos pocos años. salvo romeo y Julieta, escrita en su primera época, las tragedias más sobresalientes fueron creadas entre 1601 o 1602 (Hamlet) y 1606 (Macbeth). En medio quedan  Julio César, Otelo, El rey Lear,  Antonio y Cleopatra, Timón de Atenas y Coriolano. En sus tragedias, supo combinar el verso y la prosa y en su lenguaje caben desde la expresión más exquisita hasta el registro más familiar.

Vamos a empezar por Hamlet. Esta es una de las obras que vais a leer (podéis hacerlo aquí o coger el libro en la biblioteca) y comentaremos en  clase el famosísimo monólogo del protagonista interpretado por Kenneth Branagh, que también dirigió la película homónima.

Por otra parte, Mel Gibson también lo interpretó en el cine en 1990:

El Hamlet de Laurence Olivier sonaba así en inglés:

En el teatro, muchos actores fueron Hamlet. Eusebio Poncela fue uno de ellos y Blanca Portillo (que dice de la obra que es una guía del alma humana) otra Hamlet:

El personaje de Hamlet simboliza la duda pero también es una muestra del pesimismo existencial que tanto atraerá a los artistas románticos y a los filósofos existencialistas del siglo XX. Es tan grande la huella que ha dejado Hamlet que se podría hablar del hamletismo.

La obra también ha dado lugar a versiones más alternativas, como Rosencrantz y Guildenstern han muerto (basada a su vez en una obra de Tom Stoppard)

o  a versiones infantiles y musicales Como El rey león donde Simba debe vengar, como Hamlet, la muerte de su padre a manos de su tío Scar.

Por otra parte, también Ofelia ha dejado un cauce (fluvial) que ha sido transitado por muchos artistas, una de ellas la poeta Marta Dacosta, de quien hemos leído As amantes de Hamlet. 

La otra obra propuesta para leer (si queréis aquí ) es El rey Lear.  La gran Núria Espert interpretó, en catalán, a Lear dirigida por Lluís Pasqual.

El Centro Dramático Nacional también ha llevado al escenario esta obra revisada por Juan Mayorga (otro monstruo del teatro, que un día también será coronado como Shakespeare):

Para crear esta obra Shakespeare recurrió a una antigua leyenda céltica. Estamos, probablemente ante la tragedia de mayor alcance moral, ya que en ella se dirimen, en un sentido amplio, las grandes fuerzas que mueven el mundo: el Bien y el Mal. Este tema se concreta en la historia de Lear, el rey que, en reparto de su reino comete una evidente injusticia con Cordelia, la menor de sus tres hijas. Asistimos a la ingratitud de las dos hijas favorecidas (que lo abandonarán) y a la fidelidad amorosa de la perjudicada que, pese a su generosidad,  es incapaz de rescatar a su padre del desenlace trágico. El progresivo deterioro del rey, que desemboca en la locura, se produce en un ambiente espeluznante de una naturaleza desoladora. El conflicto entre el Bien y el Mal se manifiesta en la oposición entre otros conceptos: fidelidad/ingratitud, amor/odio, lucidez/locura. Especial interés merece el personaje del bufón que es capaz de proferir las más profundas verdades, con un extraño lenguaje que raya el surrealista.

La adaptación más conocida de esta obra es Ran (1985), un clásico del cine japonés en el que su director, Akira Kurosawa, supo sumar la esencia del texto original al pasado legendario de su país.

Tampoco podemos hablar de la tragedia shakesperiana sin citar Otelo. La obra aborda, entre otros, el tema del poder diabólico de los  celos a través del personaje Otelo, general del ejército de Venecia, africano que acaba de casarse con una dama veneciana, Desdémona.

Otelo y Desdémona, obra de Théodore Chassériau

El matrimonio se traslada a Chipre acompañado de algunos oficiales, entre los que se encuentra Yago (símbolo de la manipulación diabólica) resentido y manipulador, que convence a Otelo de que su esposa le ha sido infiel.  A causa de los celos, Otelo asesina a Desdémona y, conocido el engaño, se suicida. Aquí puedes leer la obra completa.

Así comienza la versión cinematográfica que hizo  Kenneth Branagh de la obra:

Como hemos visto, la ambición es un tema casi constante en las tragedias de Shakespeare, sin embargo la obra que mejor lo representa es Macbeth que puedes leer aquí. la obra cuenta la historia de  Macbeth, general del rey Duncan de Escocia, unas brujas le auguran la posibilidad de reinar.

Macbeth y Banquo con las brujas por Johann Heinrich Füssli.

Instigado por su esposa, asesina al rey. Las brujas siguen señalándole posibles enemigos, y Macbeth extermina a todos cuantos ponen en peligro sus planes. Lady Macbeth se quita la vida presa del sentimiento de culpa, mientras que Macbeth es asesinado por venganza.

La adaptación más reciente de la obra es la película británica estrenada en 2015 dirigida por Justin Kurzel:

Si te apetece puedes leer aquí la obra completa.

Hay otro grupo de tragedias que tienen como telón de fondo la historia de Roma, sin embargo los temas latentes en las mismas son, de nuevo, las ambiciones humanas y los entresijos del poder.  Lo que menos interesa es lo puramente histórico, pues lo importante es la profundización en los conflictos internos de sus personajes como la tiranía, la justicia, el deber patriótico… Destacan Tito Andrónico y Julio César.

De la primera existen diversas adaptaciones  al cine, pero quizá  la más conocida sea Titus dirigida por Julie Taymor e interpretada por Anthony Hopkins y Jessica Lange, entre otros.

Por otro lado, de Julio César destaca la memorable interpretación que hizo Marlon Brando del personaje que da nombre a la obra:

La obra se inicia con el retorno triunfal de Julio César a Roma después de derrotar a Pompeyo. El pueblo reverencia a César, y algunos hombres del Senado temen que este aproveche tan ferviente admiración para asumir una cuota peligrosa de poder, que podría poner en peligro el orden republicano y dejar todo el gobierno en manos de César. A la cabeza de este grupo de conspiradores se encuentra Casio, quien logra convencer al reticente Bruto de que se una a ellos. El argumento que convence a Bruto es que César ha de morir para que la República sobreviva. Los planes de los conspiradores se concretan y Julio César es asesinado en el Senado. Esto hace que se desencadene una guerra civil entre el bando de los conspiradores pro-republicanos y el liderado por Marco Antonio,  amigo de Julio César, y el joven Augusto. (Aquí puedes leer más sobre la obra y aquí el texto completo)

A pesar de que todas las tragedias citadas son bastante conocidas quizás sea Romeo y Julieta, la primera de todas sus obras trágicas, la que le dio más fama al escritor. Se trata de la historia de Romeo y Julieta, los respectivos hijos de dos familias de Verona enemistadas: los Montesco y los Capuleto.

Casa de Julieta” de Verona

Los dos jóvenes se enamoran pero frente a la pasión amorosa de estos se erige otra pasión de fuerza incontrolable: la del odio entre las dos familias. Romeo y Julieta saltan por encima de las barreras de sangre y clanes al jurarse amor eterno y atraviesan un camino de lucha contra el peso de las convenciones.No obstante, los jóvenes mueren arrastrados por un inexorable destino adverso. Con todo, en el espectador permanece la impresión de que el amor ha traspasado la frontera de la muerte. Si quieres leer la obra puedes hacerlo pinchando aquí. Después de hacerlo quizás quieras ver cómo se ha adaptado en el cine.

Más moderna es la versión Romeo +Julieta. Está en la biblioteca, aquí podéis ver un adelanto:

El musical West Side Story recrea la misma historia pero integrada en el ambiente de las bandas callejeras neoyorkinas. Asimismo Los tarantos es una revisión de la misma tragedia ambientada en el mundo gitano.

Dramas históricos

Una de las fuentes principales del teatro isabelino fue la propia historia de Inglaterra. El pueblo inglés, que vivía con el reinado de Isabel I una relativa situación de paz, reclamaba ahondar en el pasado cruento y belicoso de su país. Shakespeare no fue insensible a esta demanda y escribió varias piezas históricas, la mayoría durante la última década del siglo XVI. A este grupo pertenecen: Enrique IV, Enrique V, Enrique VI, Enrique VIII,  Ricardo II, Ricardo III, El rey Juan, Eduardo III. El interés de estas obras no radica ya en las circunstancias o episodios concretos del pasado, sino en la pasión con que se presentan las ambiciones humanas relacionadas con el poder. Acaso la más destacada de estas obras sea Ricardo III, por la fuerza extraordinario con que se presentan la maldad y la justicia.

 Radioteatro de la obra Ricardo III , que puedes leer aquí.

Como ves, la obra de Shakespeare es muy extensa y hay que dedicarle mucho tiempo a su lectura. A veces (como ocurre con las grandes obras) hay que leerlas en momentos diferentes de la vida porque estas se van enriqueciendo (y ganando profundidad) con los años y la perspectiva que estos nos dan. Pero aquí tienes una intervención de Les Luthiers que recoge muchas referencias a la extensa obra del dramaturgo:

Por otra parte, el dramaturgo británico ya citado Tom Stoppard ha realizado el  guion de la película Shakespeare in Love . Esta narra la aventura amorosa entre Viola de Lesseps y un joven William Shakespeare durante la época en la que el dramaturgo estaba escribiendo Romeo y Julieta. Aunque los personajes están basados en personas reales, lo que se cuenta en la película es en su mayor parte ficticio. Esta es la escena previa al estreno de la obra:

Shakespeare es el dramaturgo total, que refleja en sus obras todos los temas, conflictos y pulsiones humanas. En sus tragedias_ y en algunas comedias_ predomina una visión pesimista, desengañada, de la realidad y de la condición humana. Los tópicos del teatrum mundi (el mundo como teatro) o de vita somnium (la vida como sueño), así como la presencia recurrente de estructuras metateatrales (por ejemplo el teatro dentro del teatro en Hamlet, El sueño de una noche de verano o La tempestad) subrayan la fugacidad e inconsistencia de lo real:

“El mundo es un gran teatro,y los hombres y mujeres son actores.Todos hacen sus entradas y sus muchos y diversos papeles en su vida.Los actos, siete edades. Primero, la criatura,hipando y vomitando en brazos de su ama.Después, el chiquillo quejumbroso que, a desgano,con cartera y radiante cara matinal,cual caracol se arrastra hacia la escuela.Después, el amante, suspirando como un horno y componiendo baladas dolientes a la ceja de su amada. Y el soldado,con bigotes de felino y pasmosos juramentos,celoso de su honra, vehemente y peleón,buscando la burbuja de la fama hasta en la boca del cañón. Y el juez,que, con su oronda panza llena de capones,ojos graves y barba recortada,sabios aforismos y citas consabidas,hace su papel. La sexta edad nos trae al viejo enflaquecido en zapatillas,lentes en las napias y bolsa al costado;con calzas juveniles bien guardadas, anchísimas para tan huesudas zancas; y su gran voz varonil, que vuelve a sonar aniñada,le pita y silba al hablar. La escena final de tan singular y variada historia es la segunda niñez y el olvido total,sin dientes, sin ojos, sin gusto, sin nada”

Como gustéis

 

 

 

Buenos tiempos para el teatro

En las últimas décadas del siglo XVI y a lo largo del siglo XVII se desarrollan las tres grandes tradiciones teatrales europeas: el teatro isabelino inglés, las nuevas comedias del teatro español y el teatro clásico francés.

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El teatro isabelino es conocido así por desarrollarse durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (segunda mitad del siglo XVI y principios del XVII).  William Shakespeare (1564-1616) no solo es el máximo representante del mismo sino también uno de los más grandes escritores de la literatura universal. Shakespeare hizo más que provocar la risa o el llanto del público: enfrentó a los espectadores con las grandes pasiones humanas. Así, aunque sin respetar las unidades que regían el teatro clásico, retoma un concepto heredado del teatro griego: la catarsis, es decir, la purificación del espectador al ver el terror o la piedad con los que se identifica, sobre el escenario.

Por otra parte, España vivirá los años dorados (de hecho el siglo XVII se conoce como el Siglo de Oro español) y Lope de Vega renovará el teatro con su Arte nueva de hacer comedias. En esta defenderá la ruptura con la regla de las tres unidades y la mezcla de lo trágico y lo cómico. Las obras se representaban en los corrales de comedias.

En la película Lope se ve muy bien cómo eran los corrales, las comedias y el público de la época:

Al contrario que el isabelino y el español, el teatro clásico francés respetará la regla de las tres unidades del teatro  clásico (solo puede haber un lugar, debe transcurrir en un único día y solo habrá una acción o intriga). Las obras, que deben constar de cinco actos y se caracterizan por su equilibrio y por la defensa de la razón por encima de las pasiones. Además no estaba permitido mezclar lo trágico y lo cómico, algo que sí hacían  Shakespeare y Lope de Vega.

A estas tres orientaciones se suma la Commedia dell`arte. Se trata de piezas cómicas basadas en la improvisación de los actores a partir de un repertorio predeterminado de argumentos, con una galería de máscaras o personajes tipificados: los zanni o criados (Arlequín, colombina, Polichinela, Brighella o Sganrarello) y los amos (Pantalón, el Doctor). En ellas, el diálogo se alterna con el mimo, la acrobacia, la danza o la música.

Fragmento del capítulo II de la serie “Cervantes”.

El auge del género se ve favorecido por la instrumentalización política del teatro por parte de las monarquías absolutas, que lo convierten en vehículo de propaganda o control ideológico. Además, en esta época se produce la profesionalización de las compañías y se destinan locales específicos a la representación (corrales de comedias, por ejemplo).

Shakespeare (1564-1616) es el máximo representante del teatro isabelino, y una de las cimas_ junto con su contemporáneo, el español Cervantes_ de la literatura universal. Fue actor, dramaturgo y empresario de su propia compañía, que se instaló en el Teatro del Globo.

Su figura ha eclipsado a otros notables dramaturgos isabelinos. Es el caso de Christopher Marlowe, autor del Doctor Fausto (recreación del mito literario del hombre que vende su alma al diablo a cambio de conocimiento) y de Ben Jonson, autor de la obra Volpone (historia de un noble veneciano que, ayudado por su criado, finge su propia muerte para engañar a tres supuestos amigos deseosos de heredarle).

Aquí puedes hacer ejercicios para reforzar los conocimientos.

A visita de Laura

Sen desmerecer ás anteriores vistitas, a que máis ilusión me fixo foi esta última. Veunos ver Laura Porto, dramaturga novel, ex alumna e amiga.

Laura con Azama
Laura con Azama

Ademais de estudar Dramaturxia escribe críticas teatrais no Galiñeiro de Praza pública de obras contemporáneas. Ademais é autora dunha  peza que dará que falar: Famelia ( á espera de ser publicada) e da que nos falou na súa visita.

Contounos, ademais de como chegou ao teatro e á escritura, como foi o proceso de creación da mesma baseándose na estrutura dramática proposta por Michel Azama.

A de Laura aínda non podemos vela porque non está representada, pero aquí vos queda Cruzadas do mentado autor. A representación corre a cargo da compañía Hechizo.

Foi un gusto darche clase e terte, de novo, nela como relatora do que máis che gusta facer!!

Grazas por vir!!! E moita, moita merda nos camiños do teatro.

 

Shakespeare para ignorantes

Un petisco da obra que imos ver o vindeiro venres:

Shakespeare para ignorantes, de Mofa e befa dirixido por Quico Cadaval (grande!)

 “(…) Una virtud de Shakespeare para ignorantes, antología urdida por el dúo gallego Mofa e Befa y el iconoclasta actor, adaptador y director Quico Cadaval, es que sortea los títulos más trillados del cisne de Stradford-upon-Avon para centrarse en Cimbelino, donde se cuenta la historia de un hombre que se apuesta estúpidamente el honor de su mujer, y en la rara Pericles, príncipe de Tiro, aunque recorra también alguna escena de Ricardo III, Macbeth y Medida por medida.

Pero lo que marca la diferencia de este espectáculo respecto de otros similares, es la lúcida e irónica conferencia en la que Cadaval lo embute. Vestido de profesor ácrata, el director nos ilustra mordazmente sobre la ignorancia como condición necesaria para alcanzar la sabiduría (el ignorante siempre pregunta; el necio, pone cara de estar informado), nos proporciona una divertidísima bibliografía shakespeariana posible pero ficticia y nos pone, como ignaros, en condiciones de acceder al conocimiento prometido.

Sucede que la conferencia está por encima del paródico rosario de escenas con que se ilustra. (…)  La locuacidad de Cadaval, forjada en la hoguera de centenares de noches de cuenta cuentos, no parece, en cambio, que haya gran teatro que la achique.

(Este artigo apareceu na edición impresa do Martes, 20 de xullo de 2010 en  El País)