El distanciamiento

En respuesta al teatro antirracionalista de las vanguardias, surge entre los dramaturgos alemanes, que asistían inquietos al ascenso del nazismo, una corriente que entiende el teatro como un elemento de lucha social. El teatro ha de ser una herramienta para resolver los problemas políticos y sociales, por eso tiene que implicar al espectador, enseñar. El dramaturgo más importante de este teatro épico o dialéctico es Bertolt Brecht (1898-1956). Su oposición al nazismo y su vinculación con el marxismo lo llevó al exilio desde 1933 hasta 1948. Este es un breve documental sobre el autor:

Busca el distanciamiento del público para así conseguir el valor didáctico, este distanciamiento lo logra con técnicas como el uso de la tercera persona, los apartes, la interrupción de la acción, la importancia del gesto o las máscaras. Mezcla lenguaje coloquial con formas poéticas. Los temas centrales de sus obras son algunas de las grandes preocupaciones del hombre del momento: el poder, la guerra, la justicia.

Entre sus obras destacan Galileo Galilei (1939), Madre Coraje y sus hijos (1941) o El círculo de tiza (1944).

Vídeo promocional de la representación de la obra de Bertolt Brecht en el Teatro Valle-Inclán de Madrid, del 11 de febrero a 4 de abril de 2010, en la versión de Antonio Buero Vallejo y Dirección de Gerardo Vera.

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¡Merdre!

Con esta palabra se inaugura el teatro del siglo XX porque así comienza una de las obras más emblemáticas y representativas del pasado siglo: Ubú rey, de Alfred Jarry, uno de los precursores más importantes del surrealismo, del dadaísmo y del teatro del absurdo.

Ubú es un tipo violento, panzudo, codicioso y malhablado (la primera palabra de la obra es merdre) que asesina, inducido por su esposa, al rey Wenceslao y se hace con el trono de Polonia. Convertido en un tirano sanguinario, manda asesinar a nobles y campesinos para apoderarse de sus bienes, hasta que es derrotado por el zar de Rusia. Ubú refleja, de modo caricaturesco los más bajos instintos del ser humano. El tono de farsa, el carácter provocador, el lenguaje distorsionado o la violencia en escena son expresión de un radical descontento con el mundo.

Versión de la obra de Los Cualeslas

A principios del siglo XX se profundiza en el camino abierto por el Simbolismo y se sitúa la acción y la historia en segundo plano, de modo que se da prioridad a la impresión estética y la conmoción espiritual El paradigma de esta tendencia irracionalista se halla en el teatro de la crueldad de Antonin Artaud (1896_1948)

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Reclamaba este autor la necesidad de volver al teatro primitivo, en el que priman el instinto, la violencia, la belleza y el sentimiento. Se busca crear una experiencia inquietante siendo los temas realidades y pulsiones esenciales: muerte, erotismo, soledad… La obra crea su propio lenguaje basado en el simbolismo y la sugerencia.  Artaud defiende un espectáculo total, incorpora al teatro elementos del cine, del circo. Además, el espectador forma parte activa del espectáculo, por lo tanto la representación tratará de sacudirlo y provocarlo con imágenes violentas e intensas.

Existen, además, a principios de siglo, numerosas tendencias difíciles de clasificar. Las tragedias de Federico García Lorca  pueden considerarse una forma de realismo poético.

Adaptación a la gran pantalla de la obra  Bodas de sangre de  Federico García Lorca 

Por otro lado, el final de la I Guerra Mundial deja sumida a Alemania en una grave crisis económica y el pesimismo invade un país que contempla el futuro con incertidumbre. En ese contexto nace el expresionismo, que pretende explorar los aspectos más violentos y grotescos de la realidad. Como autor destacado podemos citar a Georg Kaiser. En el teatro expresionista, escenario y personajes se presentan distorsionados para impactar al espectador. El contraste de luces y sombras es un efecto importante. Los motivos que aparecen buscan resaltar el feísmo, lo tenebroso, lo caótico a través de un uso idiomático cargado de imágenes. Luces de bohemia (1920), de Valle-Inclán, creador del esperpentotiene muchos rasgos expresionistas.

Para acabar con los vicios adquiridos por los actores del teatro anterior, es importante el método Stanislavski, que pretende conseguir que el actor se identifique con el personaje, es decir, que sienta sus mismas emociones. Este director ruso, Constantin Stanislavski, plantea la labor del actor como una tarea que puede ser enseñada y aprendida, es decir, se busca la profesionalidad de los actores.

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Imagen extraída de aquí

Paralelamente al teatro rupturista y de vanguardia, se sigue desarrollando un teatro tradicional, alejado de las innovaciones ideológicas y formales. Entre sus representantes destaca por la calidad de sus obras el irlandés Bernard Shaw (1856-1950), su comedia más célebre es Pigmalión (1913).

Asimismo, en 1964 se realizó la película musical My Fair Lady (Mi bella dama), inspirada en esta obra.

 

Morte, non tan accidental, dun anarquista

Ti es un dos culpables, Darío Fo, de que me guste o teatro. Eu tiña vinte anos e unhas ganas tolas de ler, de ver (e facer) teatro e varios amigos tolos. Caeu nas noas mans a súa peza No hay ladrón que por bien no venga. Convertémola en Non hai ladrón que por ben non veña e, sen ter nin idea de teatro, pero coa inxenuidade e a forza que dá ser tan novo levámola aos escenarios improvisados dos pubs de Lugo e algúns teatros. Dende aquela gañei anos, decepcións, experiencias, sentido do ridículo e moita admiración polas túas túas comedias e a túa vida.

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Fotografía extraída desta nova que recolle o seu pasamento

Lembro a apaixoada lectura de Muerte accidental de un anarquista que supuxo, para min, unha maneira distinta de ver o teatro. Tamén era política e espertar de conciencia.

Vós, que agora ledes Antígona, podedes continuar despois co Aquí no paga nadie,  exemplos ambas de desobediencia combativa, cada unha da súa época, necesaria tamén nesta.

Marchas, Darío Fo,  pero queda o teu sentido do humor e o teu teatro eterno, irreverente e subversivo.

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(Imaxe traída de aquí)

Moitísimas grazas pola túa compañía e polo teu exemplo, polo que deixaches nos escenarios, por crer que a risa é unha poderosa arma contra o poder, por ser un xograr, un bufón deste século con todo o que iso supuxo e supón.

Que alá onde esteas “sigas cantando”.

Déixovos o discurso que deu cando lle concederon o premio Nobel de Literatura:

 

La novia

Tamén na clase do luns falamos de La novia, adaptación ao cine que fixo Paula Ortiz de Bodas de sangre, obra de Federico García Lorca, poeta, que me escribiu unha fermosísima carta o curso pasado e co que eu sempre estarei en débeda.

Lembraredes que o curso pasado lemos Bodas de sangre. Os que non o fixestes, que envexa! Aínda podedes achegarvos a esta obra tan poética e intensa por primeira vez! Despois de lela é case obrigatorio ver a película. Velaquí tedes un trailer da mesma.

Nota: Sheila, ¿atopas o parecido?

 

Nosotros también te esperamos, Godot

Me parece un poco feo haber  dejado plantados a Vladimir y a Estragón ¡Pobres! Ya tienen bastante con que no aparezca Godot y, encima, los dejamos solos con su historia. Si queréis ponerle remedio a ese desaire  aquí está la historia completa para retomar la lectura.

Ahora bien, también podéis verla en el teatro:

Una versión más clásica es esta:

La sombra de esta obra de Beckett, referente del teatro del absurdo, es alargada. Un ejemplo de ello es la influencia que ejerció sobre un texto del dramaturgo británico Harold Pinter: El montacargas. La obra fue llevada a escena, entre otras, por la compañía de teatro Animalario.

Fragmento de la actuación que el  grupo llevó al precioso Teatro Principal de Ourense que muchos y muchas ya conocéis: