Era el cabello al aura desatado

El humanista  italiano Francesco Petrarca (1304-13074) recoge de la corriente del Dolce Stil Nuovo la idea de la amada como un vehículo hacia el Bien y la Bondad. Su obra se recoge en el Cancionero y está compuesta en sonetos. Esta forma métrica, creada por los poetas italianos, se extiende rápidamente por Europa y pasó a considerarse la estructura más adecuada para la expresión amorosa y el análisis de los estados afectivos del autor.

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El gran amor de Petrarca es Laura, cuya existencia está verificada, amada de Petrarca.  Parece que el poeta la vio por primera vez un 6 de abril  y la mirada de Laura enamoró al poeta.  El Canzoniere  es la historia amorosa de ese proceso  de enamoramiento autobiográfico donde el poeta, desde su hoy, recuerda su amor a una única mujer.

El libro se divide en dos partes: in vita e in morte de Laura. Rompe el silencio cortés, ofreciendo los rasgos esenciales e idealizados de la dama, mencionando su nombre. La dama es  una mujer de carne y hueso, aunque idealizada. Aparecen descripciones de la propia amada, fijándose el tópico de la descripción metafórica de la dama como una donna angelicatta : cabellos= oro, sol/ tez= azucena o lirio/ mejillas= rosas/ ojos= astros/ labios= clavel/ dientes= perlas/ cuellos= mármol, cisne.

Resultado de imagen de laura petrarca Era el cabello al aura desatado
que en mil nudos de oro entretejía;
y en la mirada sin medida ardía
aquel hermoso brillo, hoy ya apagado;

el gesto, de gentil favor pintado,
fuese sincero o falso, lo creía;
ya que amorosa yesca en mí escondía,
¿a quién espanta el verme así abrasado?

No era su andar cosa mortal grosera,
sino hechura de ángel; y sonaba
su voz como no suena voz humana:

un espíritu celeste, un sol miraba
cuando la vi; y si ahora tal no fuera,
no porque afloje el arco el daño sana.

La naturaleza también aparece idealizada al estilo de las églogas clásicas. El amor es neoplatónico: anhelo insatisfecho del alma que busca su ascensión de lo material a lo inmaterial por el amor a la belleza de la amada.

El verdadero tema es la introspección y el análisis de los variados estados de ánimo por los que el alma masculina pasa: pasión, celos, tristeza, esperanza, olvido. La lengua  empleada es bella, huye de la artificiosidad y busca una naturalidad trabajada: uso abundante del adjetivo cromático y de figuras literarias sensoriales: metáforas, sinestesias, aliteraciones. Es abundante el uso de antítesis para expresar los efectos contradictorios del amor: hielo abrasador/ dulce llama/ guerra que da paz, etc…

De Laura se ha hecho eco la autora Inma López Silva en su novela Aqueles días en que eramos malas. Unha das protagonista da obra, a funcionaria de prisións tamén se chama Laura e fanse alusións á amada de Petrarca:

(…) Chamárona coma á nena da que se namorou Petrarca porque, segundo a súa nai, estaba predestinada á beleza. Nos días de arrolos e plans, de desexos de futuro e de proxectos posíbeis para unha familia que aínda ía tardar moito en peitear cabelos brancos, os pais decidiron predestinar a Laura. Pero un día, sen vir moito a conto, decatouse de que Laura non era máis ca un nome, e cansou dos poemas de Petrarca e da danza clásica.

A Laura, camiñando polos corredores do cárcere, aínda se lle notan ben as trazas de bailarina. Os anos de disciplina deixaron unha pegada no seu corpo esvelto que, dalgún xeito moi distante, semella por momentos reflectir a elegancia doutrora. Hai algo de infantil e despreocupado na forma de andar de Laura que trata de rememorar un ritmo lanzal. (…)”

Páxina 28 da citada novela publicada por Galaxia.

 

Los bufones y los graciosos

Entran, en la literatura, los bufones y se recuperan los graciosos ridículos de la comedia clásica:

(Entran Viola, disfrazada de hombre, y FESTE, el bufón)

VIOLA: Saludos a ti y a tu música. ¿Vives tocando el tamboril?

FESTE: No, señor, tocando la iglesia.

VIOLA: ¿Eres sacerdote?

FESTE: Nada de eso, señor. Vivo tocando la iglesia, pues vivo en mi casa, y mi casa está junto a la iglesia.

VIOLA: También podrías decir que el rey vive tocando un mendigo si un mendigo vive cerca de él, o que la iglesia está pegada al tamboril porque este está al lado de la iglesia.

FESTE: Vos lo habéis dicho. ¡Qué tiempos estos! Una frase es un guante de cabritilla para el ingenioso. ¡Qué pronto la vuelve del revés!

William Shakespeare, Noche de Reyes

Asimismo, el humor y la burla  son elementos muy importantes en la literatura del Renacimiento y del Barroco.  En muchas ocasiones se realiza a través de un bufón o de un personaje cómico (he ahí la importancia de la comedia) o grotesco. Un ejemplo de este último lo tenemos Pantagruel y Gargantúa, del escritor renacentista  François Rabelais (1494-1553).  Las dos obras nos narran las aventuras de dos gigantes así llamados en medio de un mundo violento, absurdo y fantástico

Gargantúa, según ilustración de Gustave Doré, 1873.

Otro personaje ridículo es el que suele protagonizar las comedias del autor francés Moliére (1622-1673). Siempre a través de las armas de la ridiculización denuncia la hipocresía social y otros defectos.  Lo hace, por supuesto, respetando las reglas teatrales clásicas. Sus personajes fanfarrones se parecen a los de Plauto y suelen encarnar un defecto, como la avaricia (en El avaro. Puedes ver la obra aquí o la falsa devoción (en Tartufo)

La vida de Moliére también fue llevada al cine. Este es un trailer de la película Las aventuras amorosas del joven Moliére: 

 

Macarra de ceñido pantalón

Seguramente para que hoy Sabina cante esto:

un narrador anónimo de principios del siglo XVI tuvo que escribir una historia, El lazarillo de Tormes, que empieza así:

“Pues sepa V.M. ante todas cosas que a mí llaman Lázaro de Tormes, hijo de Tomé González y de Antona Pérez, naturales de Tejares, aldea de Salamanca. Mi nacimiento fue dentro del río Tormes, por la cual causa tome el sobrenombre, y fue desta manera. Mi padre, que Dios perdone, tenía cargo de proveer una molienda de una aceña, que esta ribera de aquel río, en la cual fue molinero mas de quince años; y estando mi madre una noche en la aceña, preñada de mí, tomóle el parto y parióme allí: de manera que con verdad puedo decir nacido en el río. Pues siendo yo niño de ocho años, achacaron a mi padre ciertas sangrías mal hechas en los costales de los que allí a moler venían, por lo que fue preso, y confesó y no negó y padeció persecución por justicia. Espero en Dios que está en la Gloria, pues el Evangelio los llama bienaventurados. En este tiempo se hizo cierta armada contra moros, entre los cuales fue mi padre, que a la sazón estaba desterrado por el desastre ya dicho, con cargo de acemilero de un caballero que allá fue, y con su señor, como leal criado, feneció su vida. Mi viuda madre, como sin marido y sin abrigo se viese, determinó arrimarse a los buenos por ser uno dellos, y vínose a vivir a la ciudad, y alquiló una casilla, y metióse a guisar de comer a ciertos estudiantes, y lavaba la ropa a ciertos mozos de caballos del Comendador de la Magdalena, de manera que fue frecuentando las caballerizas. Ella y un hombre moreno de aquellos que las bestias curaban, vinieron en conocimiento. Éste algunas veces se venía a nuestra casa, y se iba a la mañana; otras veces de día llegaba a la puerta, en achaque de comprar huevos, y entrábase en casa. Yo al principio de su entrada, pesábame con él y habíale miedo, viendo el color y mal gesto que tenía; mas de que vi que con su venida mejoraba el comer, fuile queriendo bien, porque siempre traía pan, pedazos de carne, y en el invierno leños, a que nos calentábamos. De manera que, continuando con la posada y conversación, mi madre vino a darme un negrito muy bonito, el cual yo brincaba y ayudaba a calentar. Y acuérdome que, estando el negro de mi padre trebejando con el mozuelo, como el niño vía a mi madre y a mí blancos, y a él no, huía dél con miedo para mi madre, y señalando con el dedo decía: “¡Madre, coco!”.

En la biblioteca, además de muchos ejemplares y adaptaciones de la obra podéis encontrar la película basada en la obra que interpretó  Rafael Álvarez, el Brujo:

El citado actor también llevó la obra al teatro (¡es una maravilla su Lázaro!). Aquí queda una entrevista al Brujo (que también habla de su espectáculo “Las mujeres de Shakespeare”, que no he visto, pero intuyo que es magnífica, como casi todo lo que hace este brujo:

Resultado de imagen de la vida del buscónEl protagonista, como vemos, ya no es un héroe, más bien todo lo contrario, que tiene que hacer trampas para lograr sobrevivir. Es esta una novela de transcición que ya se aleja de la  idealización renacentista y ya aparece el realismo barroco. Con esta y otras novelas de la época los antihéroes empiezan a entrar en la literatura para ya nunca marcharse. Se inaugura con la historia de Lázaro  la novela picaresca, pues después de este pícaro vienen otros como  el Buscón llamado don Pablos de Quevedo y Guzmán de Alfarache de Mateo Alemán. Tal vez Rinconete y Cortadillo, de Cervantes o El diablo cojuelo de Vélez de Guevara compartan algunas cualidades con los anteriores.

Imagen de la obra de Cervantes, Rinconete y Cortadillo

La novela picaresca española influyó extraordinariamente en la narrativa europea de su tiempo, sobre todo en la inglesa.  Destacan obras como Fortunas y adversidades de la famosa Moll Flanders  de Daniel Defoe. Esta fue llevada al cine:

o La historia de Tom Jones, un expósito  de Henry Fielding.

Resultado de imagen de fanny hillPor otra parte, el elemento picaresco se funde con otros en varias novelas: con el erótico-pornográfico en Fanny Hill  de John Cleland y con todo tipo de fórmulas experimentales en la famosa La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy  de Laurence Sterne.

Asimismo, reaparece en novelas posteriores como La suerte de Barry Lyndon  de William Makepeace Thackeray, Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain y en ciertos aspectos del Oliver Twist de Charles Dickens, ya en el siglo XIX.

Este es el trailer de una de las adaptaciones cinematográficas de la novela de Dickens:

No solo los antihéroes serán pícaros, el propio don Quijote sin ser un pícaro tramposo (más bien todo lo contrario) aparece como un héroe que nunca ganará ninguna batalla y que está abocado al fracaso, un verdadero antihéroe que acaba envejeciendo y muriendo (jamás un héroe clásico de los que habitaban en las novelas de caballerías había aparecido así).  Esta grandiosa novela recoge muy bien el pesimismo del Barroco y aborda, con humor y ternura, el tema del fracaso humano.

Esta es, sin duda, una de esas novelas que tenéis que leer en algún momento de vuestra vida. Una o dos veces y, si es a la luz de los atardeceres manchegos, mejor. Así podréis llenar esta canción de El mago de Oz:

Mucho ruido y muchas nueces

“Todo se disipará, e igual que se ha esfumado mi etérea función, no quedará ni polvo. Somos de la misma sustancia que los sueños, y nuestra breve vida culmina en un dormir”

 La tempestad, acto IV, escena I

De Shakespeare todo el mundo ha oído hablar. De su teatro ( aquí tenéis la presentación vista en clase) no podemos decir “mucho ruido y pocas nueces”, como su afamada comedia. Más bien, todo lo contrario.  Su extensa obra, como ya sabéis, puede clasificarse en tres bloques: comedias, tragedias y dramas históricos. Muchísimas veces han sido interpretadas en escenarios de todo el mundo y también llevadas al cine y a la ópera. Aquí queda una pequeña muestra de ello:

Comedias

El enredo de raíz clásica (Plauto, Terencio…) e italiana fueron el punto de partida para la elaboración de las comedias de Shakespeare. Los elementos más característicos del enredo (los malentendidos, el uso del disfraz, las intrigas de giros inesperados…) conforman la base de estas obras. En ellas el autor estudia todas las clases sociales por lo que constituyen un buen reflejo de la sociedad. Pero sus personajes están lejos de ser meros estereotipos: son criaturas de carne y hueso perfectamente individualizadas. Sin pretender ser aleccionadoras, de sus comedias se infieren los peligros de las actitudes nocivas, pero siempre se resuleven felizmente.

Son buena muestra de todo ello las comedias de la primera etapa del autor entre las que se destacan La comedia de las equivocaciones  La fierecilla domada. Esta última procede, al parecer, de un cuento de El conde Lucanor, tituladoLo que sucedió a un mancebo que casó con una muchacha muy rebelde“. ) 

La obra se basa, en principio, en el carácter díscolo y malhumorado de Catalina Minola, mujer que ahuyenta, no pocas veces a golpes, a cuantos pretendientes se interesan por ella ante su padre. El asunto no tendría mayor transcendencia si no fuese porque, según la costumbre, el padre de Catalina, el rico Don Bautista Minola, se niega a entregar en matrimonio a su hija menor, Blanca, hasta que no haya casado a la mayor; para desconsuelo de los ambiciosos aspirantes a su mano, Hortensio, Gremio y Lucencio. Tanto la llegada a la ciudad por parte de Petruchio, un joven ambicioso y despreocupado, así como su disposición de cortejar a la áspera Catalina, proporciona a los pretendientes de Blanca una esperanza para la que unen sus esfuerzos a los esfuerzos del ya casi desesperado Bautista. Este planteamiento inicial se desarrolla en forma de diversas situaciones de enredo y abundantes diálogos ocurrentes. El ingenio verbal se convierte sin duda en la más contundente de las armas. Además, destaca también sin duda el doble banquete nupcial con que concluye la obra y que constituye todo un giro inesperado a la situación de partida. (Información copiada de aquí)

Fue llevada a la gran pantalla bajo el nombre  La mujer indomable

A esta comedia le siguen, entre otras,  El sueño de una noche de verano, Las alegres comadres de Windsor y El mercader de Venecia. 

El sueño de una noche de verano era la obra que Neil, el protagonista de El club de los poetas muertos, acaba interpretando pese a las prohibiciones de su padre:

Podéis leer más sobre la obra en esta entrada anterior o leerla completa aquí.

Con respecto a Las alegres comadres de Windsor, la comedia, ambientada en Inglaterra,  cuenta dos historias independientes: por un lado, los infructuosos intentos de Sir John Falstaff por seducir a las señoras Ford y Paige (las alegres comadres que dan título a la obra), y, por otro lado, las peripecias de los tres pretendientes de la hija de la señora Paige. En Windsor, Sir John Falstaff busca una solución a sus problemas económicos a través de alguna señora acaudalada. Para probar suerte, envía cartas de amor idénticas a las señoras Ford y Paige, pero estas, amigas, descubren el engaño y deciden burlarse de Sir John, y lo citan en casa de Ford. Por otro lado, los maridos también descubren los planes de Falstaff, informados por los resentidos sirvientes de Falstaff. El señor Paige confía en su esposa, pero Ford se ve dominado por los celos y, haciéndose pasar por un tal Broom, paga a Falstaff para que seduzca a la señora Ford. Por otro lado, la hija de los Paige tiene tres pretendientes: Slender (favorito de su padre), el doctor francés Caius (preferido de la señora Paige) y el joven Fenton, que es de quien la chica está realmente enamorada. (Aquí puedes continuar leyendo su argumento y aquí la obra completa)

John Falstaff el protagonista principal  ha sido inspiración para multitud de obras posteriores en la literatura (incluso del propio Shakespeare, como veremos), la ópera y el cine por su carácter festivo, fanfarrón y vanidoso.  Destaca Falstaff , la comedia lírica operística en tres actos con música de Giuseppe Verdi:

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También aparecen dos historias en la comedia El mercader de Venecia.  Por un lado, la doble entre de Bassanio-Gratiano y Portia-Nerissa, y, por otro, la de Jessica (hija de Shylock) con Lorenzo. Todo ello, presidido por la relación entre Antonio y Shylock. Bassanio quiere cortejar a la rica heredera Portia, pero precisa de una importante suma de dinero para hacerlo, pues ha de hacer un viaje y comprar ropas lujosas. Su buen amigo el mercader Antonio se ofrece a prestárselo pero, por no disponer de esa cantidad todavía (está a la espera de unos barcos con un cargamento), recurre al prestamista Shylock. Éste accede, pero con una condición: si no le devuelve el dinero, se cobrará la deuda con una libra de la carne de Antonio. La razón de tan extraño deseo es que Shylock odia a Antonio por una humillación a la que lo sometió. Bassanio tiene éxito en su cortejo de Portia (ella -por consejo de su difunto padre- le pide que elija entre tres cofres: uno de oro, otro de plata y otro de plomo, y Bassanio elige el correcto, el de plomo, lo que hace parecer que no le interesa el dinero de ella), pero los barcos de Antonio no llegan, por lo que no puede saldar su deuda económica con Shylock. Por tanto, tendrá que hacerlo con su carne. Para poner la cosas peores, la hija de Shylock se ha fugado con el cristiano Lorenzo. (Aquí encontrarás más información sobre la obra y en este enlace puedes leer la obra completa).

Trailer de la película dirigida por Michael Radford.

Comedias ya mucho más maduras son: Mucho ruido y pocas nueces, Como gustéis y  Noche de Reyes. 

Este fragmento está extraído de la película homónima Mucho ruido y pocas nueces:

 La obra se centra en el amor y el daño que los malentendidos o la traición pueden causar. Desarrolla de principio a fin dos tramas paralelas que funcionan en perfecta sincronía: la historia de amor de Claudio y Hero roza la tragedia mientras que la rivalidad de Beatriz y Benedicto es más jovial y desenfadada.

Por una parte, Claudio y Hero forman la pareja de enamorados que viven en un mundo idílico hasta que esta se rompe por la intervención del ruin Don Juan. Este personaje es un bastardo despechado y rencoroso que desea vengarse del condecorado Claudio. Finalmente, la intervención del alguacil Dogberry solucionará el conflicto. Por otra parte, Benedicto, desde su primera aparición muestra un humor hiriente y desdeñoso hacia las mujeres y hacia el amor, siendo el centro de sus críticas la joven Beatriz, sobrina del gobernador Leonato y prima de Hero, que derrota a Benedicto en sus duelos verbales. La rivalidad de la pareja se irá trocando en amor según transcurre la acción.  (Información extraída de este blog de literatura). Podéis leer la obra completa aquí.

Como gustéis es la segunda del trío de las Grandes Comedias de Shakespeare, que empezó con Mucho ruido y pocas nueces y se cierra con Noche de Reyes. Se trata de una comedia deliciosa, en la que realmente pasan pocas cosas, pero lo hacen de un modo absolutamente encantador. Además, incluye a Rosalind, uno de los grandes personajes femeninos de Shakespeare (seguramente, el mejor de comedia) y el celebérrimo monólogo que comienza: “Todo el mundo es un escenario y los hombres no son más que actores”. La obra cuenta la historia de Orlando y Rosalind. Él es el hijo de un noble difunto al que su hermano Oliver maltrata. Harto de esta situación, marcha en busca de fortuna a la corte del duque Frederick (quien, a su vez, ha destronado a su hermano, el duque Senior). Allí, Orlando combate y vence al mejor luchador del duque. Rosalind -hija del duque Senior- y su prima Celia asisten al combate. Rosalind y Orlando se enamoran al instante.

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Irritado, el duque Frederick destierra a Rosalind, y ordena a Oliver que haga que maten a Orlando. Rosalind y Celia escapan al bosque de Arden disfrazadas de muchacho, acompañadas del bufón Touchstone. Al bosque también huye Oliver, al que le han informado de los planes de su hermano para matarle. Le acompaña su fiel sirviente Adam (como anécdota, la tradición dice que este fue el papel que Shakespeare se reservó para interpretar él en persona). En dicho bosque vive el depuesto duque Senior con un puñado de fieles seguidores . También allí habitan los pastores Silvius, Phebe y Audrey, y el el amargado y nostálgico noble Jaques. Puedes continuar leyendo el resumen aquí o la obra completa pinchando en este enlace.

Como gustéis fue interpretada en el teatro, entre otros, por la compañía de Centro Dramático Nacional

Creada en 1601 o 1602, Noche de Reyes  es muy probablemente la obra que Shakespeare escribe a continuación de Hamlet. El hilo argumental gira en torno a una trama principal: el triángulo amoroso entre el duque de Orsino, la noble dama Olivia y una joven llamada Viola (a los que los otros dos toman por un joven llamado Cesáreo). Una trama secundaria se centra en el enfrentamiento entre Malvolio -el estirado mayordomo de Olivia- y el trío formado por Sir Toby Belch (tío de Olivia), Sir Andrew Aguecheek (pusilámine personaje que pretente cortejar a Olivia) y Maria (mujer al servicio de Olivia). Por último, una tercera linea argumental nos habla de la relación entre Sebastián (hermano gemelo de Viola, al que ella cree muerto) y su leal amigo Antonio. Toda la historia es contemplada -y comentada- por Feste. el lúcido bufón de Olivia. Se ha producido un naufragio, y una mujer llamada Viola llega a las costas de Iliria. Viajaba con su hermano gemelo Sebastián, que cree que se ha ahogado. En Iliria, se hace pasar por un chico llamado Cesario para ser aceptada al servicio del duque de Orsino, cuyo confianza se gana rápidamente. Por esto, Orsino le pide que vaya a cortejar en su nombre a Olivia, una dama de la que está enamorado y que se niega a recibirle por estar ella de luto por la muerte de su hermano. Tras una primera entrevista. Cesareo no consigue que Olivia acepte a su señor. Muy al contrario Olivia se enamora de él. Por otro lado, Malvolio reprende a Sir Toby y Sir Andrew por estar armando bronca a las tantas de la noche. Molestos, deciden vengarse. María, la dama de compañía de Olivia, les propone un divertido plan. Aquí puedes seguir leyendo sobre la obra y aquí encontrarás la comedia completa. Un breve fragmento de la película basada en la obra de teatro.

 Las tragedias

En la tragedia es donde el genio de Shakespeare se muestra con mayor brillantez. Es este género también es el que le ha granjeado la máxima gloria. La creación de estas obras se concentra  en unos pocos años. salvo romeo y Julieta, escrita en su primera época, las tragedias más sobresalientes fueron creadas entre 1601 o 1602 (Hamlet) y 1606 (Macbeth). En medio quedan  Julio César, Otelo, El rey Lear,  Antonio y Cleopatra, Timón de Atenas y Coriolano. En sus tragedias, supo combinar el verso y la prosa y en su lenguaje caben desde la expresión más exquisita hasta el registro más familiar.

Vamos a empezar por Hamlet. Esta es una de las obras que vais a leer (podéis hacerlo aquí o coger el libro en la biblioteca) y comentaremos en  clase el famosísimo monólogo del protagonista interpretado por Kenneth Branagh, que también dirigió la película homónima.

Por otra parte, Mel Gibson también lo interpretó en el cine en 1990:

El Hamlet de Laurence Olivier sonaba así en inglés:

En el teatro, muchos actores fueron Hamlet. Eusebio Poncela fue uno de ellos y Blanca Portillo (que dice de la obra que es una guía del alma humana) otra Hamlet:

El personaje de Hamlet simboliza la duda pero también es una muestra del pesimismo existencial que tanto atraerá a los artistas románticos y a los filósofos existencialistas del siglo XX. Es tan grande la huella que ha dejado Hamlet que se podría hablar del hamletismo.

La obra también ha dado lugar a versiones más alternativas, como Rosencrantz y Guildenstern han muerto (basada a su vez en una obra de Tom Stoppard)

o  a versiones infantiles y musicales Como El rey león donde Simba debe vengar, como Hamlet, la muerte de su padre a manos de su tío Scar.

Por otra parte, también Ofelia ha dejado un cauce (fluvial) que ha sido transitado por muchos artistas, una de ellas la poeta Marta Dacosta, de quien hemos leído As amantes de Hamlet. 

La otra obra propuesta para leer (si queréis aquí ) es El rey Lear.  La gran Núria Espert interpretó, en catalán, a Lear dirigida por Lluís Pasqual.

El Centro Dramático Nacional también ha llevado al escenario esta obra revisada por Juan Mayorga (otro monstruo del teatro, que un día también será coronado como Shakespeare):

Para crear esta obra Shakespeare recurrió a una antigua leyenda céltica. Estamos, probablemente ante la tragedia de mayor alcance moral, ya que en ella se dirimen, en un sentido amplio, las grandes fuerzas que mueven el mundo: el Bien y el Mal. Este tema se concreta en la historia de Lear, el rey que, en reparto de su reino comete una evidente injusticia con Cordelia, la menor de sus tres hijas. Asistimos a la ingratitud de las dos hijas favorecidas (que lo abandonarán) y a la fidelidad amorosa de la perjudicada que, pese a su generosidad,  es incapaz de rescatar a su padre del desenlace trágico. El progresivo deterioro del rey, que desemboca en la locura, se produce en un ambiente espeluznante de una naturaleza desoladora. El conflicto entre el Bien y el Mal se manifiesta en la oposición entre otros conceptos: fidelidad/ingratitud, amor/odio, lucidez/locura. Especial interés merece el personaje del bufón que es capaz de proferir las más profundas verdades, con un extraño lenguaje que raya el surrealista.

La adaptación más conocida de esta obra es Ran (1985), un clásico del cine japonés en el que su director, Akira Kurosawa, supo sumar la esencia del texto original al pasado legendario de su país.

Tampoco podemos hablar de la tragedia shakesperiana sin citar Otelo. La obra aborda, entre otros, el tema del poder diabólico de los  celos a través del personaje Otelo, general del ejército de Venecia, africano que acaba de casarse con una dama veneciana, Desdémona.

Otelo y Desdémona, obra de Théodore Chassériau

El matrimonio se traslada a Chipre acompañado de algunos oficiales, entre los que se encuentra Yago (símbolo de la manipulación diabólica) resentido y manipulador, que convence a Otelo de que su esposa le ha sido infiel.  A causa de los celos, Otelo asesina a Desdémona y, conocido el engaño, se suicida. Aquí puedes leer la obra completa.

Así comienza la versión cinematográfica que hizo  Kenneth Branagh de la obra:

Como hemos visto, la ambición es un tema casi constante en las tragedias de Shakespeare, sin embargo la obra que mejor lo representa es Macbeth que puedes leer aquí. la obra cuenta la historia de  Macbeth, general del rey Duncan de Escocia, unas brujas le auguran la posibilidad de reinar.

Macbeth y Banquo con las brujas por Johann Heinrich Füssli.

Instigado por su esposa, asesina al rey. Las brujas siguen señalándole posibles enemigos, y Macbeth extermina a todos cuantos ponen en peligro sus planes. Lady Macbeth se quita la vida presa del sentimiento de culpa, mientras que Macbeth es asesinado por venganza.

La adaptación más reciente de la obra es la película británica estrenada en 2015 dirigida por Justin Kurzel:

Si te apetece puedes leer aquí la obra completa.

Hay otro grupo de tragedias que tienen como telón de fondo la historia de Roma, sin embargo los temas latentes en las mismas son, de nuevo, las ambiciones humanas y los entresijos del poder.  Lo que menos interesa es lo puramente histórico, pues lo importante es la profundización en los conflictos internos de sus personajes como la tiranía, la justicia, el deber patriótico… Destacan Tito Andrónico y Julio César.

De la primera existen diversas adaptaciones  al cine, pero quizá  la más conocida sea Titus dirigida por Julie Taymor e interpretada por Anthony Hopkins y Jessica Lange, entre otros.

Por otro lado, de Julio César destaca la memorable interpretación que hizo Marlon Brando del personaje que da nombre a la obra:

La obra se inicia con el retorno triunfal de Julio César a Roma después de derrotar a Pompeyo. El pueblo reverencia a César, y algunos hombres del Senado temen que este aproveche tan ferviente admiración para asumir una cuota peligrosa de poder, que podría poner en peligro el orden republicano y dejar todo el gobierno en manos de César. A la cabeza de este grupo de conspiradores se encuentra Casio, quien logra convencer al reticente Bruto de que se una a ellos. El argumento que convence a Bruto es que César ha de morir para que la República sobreviva. Los planes de los conspiradores se concretan y Julio César es asesinado en el Senado. Esto hace que se desencadene una guerra civil entre el bando de los conspiradores pro-republicanos y el liderado por Marco Antonio,  amigo de Julio César, y el joven Augusto. (Aquí puedes leer más sobre la obra y aquí el texto completo)

A pesar de que todas las tragedias citadas son bastante conocidas quizás sea Romeo y Julieta, la primera de todas sus obras trágicas, la que le dio más fama al escritor. Se trata de la historia de Romeo y Julieta, los respectivos hijos de dos familias de Verona enemistadas: los Montesco y los Capuleto.

Casa de Julieta” de Verona

Los dos jóvenes se enamoran pero frente a la pasión amorosa de estos se erige otra pasión de fuerza incontrolable: la del odio entre las dos familias. Romeo y Julieta saltan por encima de las barreras de sangre y clanes al jurarse amor eterno y atraviesan un camino de lucha contra el peso de las convenciones.No obstante, los jóvenes mueren arrastrados por un inexorable destino adverso. Con todo, en el espectador permanece la impresión de que el amor ha traspasado la frontera de la muerte. Si quieres leer la obra puedes hacerlo pinchando aquí. Después de hacerlo quizás quieras ver cómo se ha adaptado en el cine.

Más moderna es la versión Romeo +Julieta. Está en la biblioteca, aquí podéis ver un adelanto:

El musical West Side Story recrea la misma historia pero integrada en el ambiente de las bandas callejeras neoyorkinas. Asimismo Los tarantos es una revisión de la misma tragedia ambientada en el mundo gitano.

Dramas históricos

Una de las fuentes principales del teatro isabelino fue la propia historia de Inglaterra. El pueblo inglés, que vivía con el reinado de Isabel I una relativa situación de paz, reclamaba ahondar en el pasado cruento y belicoso de su país. Shakespeare no fue insensible a esta demanda y escribió varias piezas históricas, la mayoría durante la última década del siglo XVI. A este grupo pertenecen: Enrique IV, Enrique V, Enrique VI, Enrique VIII,  Ricardo II, Ricardo III, El rey Juan, Eduardo III. El interés de estas obras no radica ya en las circunstancias o episodios concretos del pasado, sino en la pasión con que se presentan las ambiciones humanas relacionadas con el poder. Acaso la más destacada de estas obras sea Ricardo III, por la fuerza extraordinario con que se presentan la maldad y la justicia.

 Radioteatro de la obra Ricardo III , que puedes leer aquí.

Como ves, la obra de Shakespeare es muy extensa y hay que dedicarle mucho tiempo a su lectura. A veces (como ocurre con las grandes obras) hay que leerlas en momentos diferentes de la vida porque estas se van enriqueciendo (y ganando profundidad) con los años y la perspectiva que estos nos dan. Pero aquí tienes una intervención de Les Luthiers que recoge muchas referencias a la extensa obra del dramaturgo:

Por otra parte, el dramaturgo británico ya citado Tom Stoppard ha realizado el  guion de la película Shakespeare in Love . Esta narra la aventura amorosa entre Viola de Lesseps y un joven William Shakespeare durante la época en la que el dramaturgo estaba escribiendo Romeo y Julieta. Aunque los personajes están basados en personas reales, lo que se cuenta en la película es en su mayor parte ficticio. Esta es la escena previa al estreno de la obra:

Shakespeare es el dramaturgo total, que refleja en sus obras todos los temas, conflictos y pulsiones humanas. En sus tragedias_ y en algunas comedias_ predomina una visión pesimista, desengañada, de la realidad y de la condición humana. Los tópicos del teatrum mundi (el mundo como teatro) o de vita somnium (la vida como sueño), así como la presencia recurrente de estructuras metateatrales (por ejemplo el teatro dentro del teatro en Hamlet, El sueño de una noche de verano o La tempestad) subrayan la fugacidad e inconsistencia de lo real:

“El mundo es un gran teatro,y los hombres y mujeres son actores.Todos hacen sus entradas y sus muchos y diversos papeles en su vida.Los actos, siete edades. Primero, la criatura,hipando y vomitando en brazos de su ama.Después, el chiquillo quejumbroso que, a desgano,con cartera y radiante cara matinal,cual caracol se arrastra hacia la escuela.Después, el amante, suspirando como un horno y componiendo baladas dolientes a la ceja de su amada. Y el soldado,con bigotes de felino y pasmosos juramentos,celoso de su honra, vehemente y peleón,buscando la burbuja de la fama hasta en la boca del cañón. Y el juez,que, con su oronda panza llena de capones,ojos graves y barba recortada,sabios aforismos y citas consabidas,hace su papel. La sexta edad nos trae al viejo enflaquecido en zapatillas,lentes en las napias y bolsa al costado;con calzas juveniles bien guardadas, anchísimas para tan huesudas zancas; y su gran voz varonil, que vuelve a sonar aniñada,le pita y silba al hablar. La escena final de tan singular y variada historia es la segunda niñez y el olvido total,sin dientes, sin ojos, sin gusto, sin nada”

Como gustéis

 

 

 

Buenos tiempos para el teatro

En las últimas décadas del siglo XVI y a lo largo del siglo XVII se desarrollan las tres grandes tradiciones teatrales europeas: el teatro isabelino inglés, las nuevas comedias del teatro español y el teatro clásico francés.

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El teatro isabelino es conocido así por desarrollarse durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (segunda mitad del siglo XVI y principios del XVII).  William Shakespeare (1564-1616) no solo es el máximo representante del mismo sino también uno de los más grandes escritores de la literatura universal. Shakespeare hizo más que provocar la risa o el llanto del público: enfrentó a los espectadores con las grandes pasiones humanas. Así, aunque sin respetar las unidades que regían el teatro clásico, retoma un concepto heredado del teatro griego: la catarsis, es decir, la purificación del espectador al ver el terror o la piedad con los que se identifica, sobre el escenario.

Por otra parte, España vivirá los años dorados (de hecho el siglo XVII se conoce como el Siglo de Oro español) y Lope de Vega renovará el teatro con su Arte nueva de hacer comedias. En esta defenderá la ruptura con la regla de las tres unidades y la mezcla de lo trágico y lo cómico. Las obras se representaban en los corrales de comedias.

En la película Lope se ve muy bien cómo eran los corrales, las comedias y el público de la época:

Al contrario que el isabelino y el español, el teatro clásico francés respetará la regla de las tres unidades del teatro  clásico (solo puede haber un lugar, debe transcurrir en un único día y solo habrá una acción o intriga). Las obras, que deben constar de cinco actos y se caracterizan por su equilibrio y por la defensa de la razón por encima de las pasiones. Además no estaba permitido mezclar lo trágico y lo cómico, algo que sí hacían  Shakespeare y Lope de Vega.

A estas tres orientaciones se suma la Commedia dell`arte. Se trata de piezas cómicas basadas en la improvisación de los actores a partir de un repertorio predeterminado de argumentos, con una galería de máscaras o personajes tipificados: los zanni o criados (Arlequín, colombina, Polichinela, Brighella o Sganrarello) y los amos (Pantalón, el Doctor). En ellas, el diálogo se alterna con el mimo, la acrobacia, la danza o la música.

Fragmento del capítulo II de la serie “Cervantes”.

El auge del género se ve favorecido por la instrumentalización política del teatro por parte de las monarquías absolutas, que lo convierten en vehículo de propaganda o control ideológico. Además, en esta época se produce la profesionalización de las compañías y se destinan locales específicos a la representación (corrales de comedias, por ejemplo).

Shakespeare (1564-1616) es el máximo representante del teatro isabelino, y una de las cimas_ junto con su contemporáneo, el español Cervantes_ de la literatura universal. Fue actor, dramaturgo y empresario de su propia compañía, que se instaló en el Teatro del Globo.

Su figura ha eclipsado a otros notables dramaturgos isabelinos. Es el caso de Christopher Marlowe, autor del Doctor Fausto (recreación del mito literario del hombre que vende su alma al diablo a cambio de conocimiento) y de Ben Jonson, autor de la obra Volpone (historia de un noble veneciano que, ayudado por su criado, finge su propia muerte para engañar a tres supuestos amigos deseosos de heredarle).

Aquí puedes hacer ejercicios para reforzar los conocimientos.

A Dafne ya los brazos le crecían (otra vez)

Y digo “otra vez” porque el año pasado comentaba aquí el mismo episodio.

“Dafne y Apolo” de Bernini. Aquí hay más información sobre la escultura.

Cuenta Ovidio en su Metamorfosis que el dios Apolo estaba enamorado de la ninfa Dafne, hija del río Peneo de la región griega de Tesalia. Perseguida por el dios, Dafne pide ayuda a su padre, quien, para liberarla del acoso de Apolo, la transforma en laurel.

En el Cancionero, Petrarca identifica simepre a Laura con el laurel y, por consguinete, se identifica a sí mismo con Apolo, enamorados ambos de la misma mujer (Laura-laurel):

Apolo, si el deseo ha perdurado
que te inflamaba en la tesalia onda,
y si la amada cabellera blonda,
tras tantos años, no la has olvidado,

del perezoso hielo y tiempo airado,
que durará mientras tu faz se esconda,
defiende a la honorable y sacra fronda
en que, después de tú, yo me he enredado;

y por virtud de la esperanza amante
que te hizo soportar la vida acerba,
bórrale al aire los nubosos trazos;

y admirados veremos al instante
a nuestra dama estar sobre la hierba
y hacerse sombra con sus propios brazos.

Por su parte, Garcilaso de la Vega (siglo XVI) recrea en su soneto XIII el mito de Dafne y Apolo, centrándose en el momento mismo de la transformación de la ninfa en árbol.

A Dafne ya los brazos le crecían,

y en luengos ramos vueltos se mostraba;
en verdes hojas vi que se tornaban
los cabellos que el oro escurecían.

De áspera corteza se cubrían
los tiernos miembros, que aún bullendo estaban:
los blancos pies en tierra se hincaban,
y en torcidas raíces se volvían

Aquel que fue la causa de tal daño,
a fuerza de llorar, crecer hacía
este árbol que con lágrimas regaba.

¡Oh miserable estado! ¡oh mal tamaño!
¡Que con llorarla crezca cada día
la causa y la razón porque lloraba!

Un siglo después, Quevedo reflejaba así el mito:

“Tras vos, un alquimista va corriendo,
Dafne, que llaman Sol, ¿y vos tan cruda?
Vos os volvéis murciégalo sin duda,
pues vais del Sol y de la luz huyendo.

Él os quiere gozar, a lo que entiendo,
si os coge en esta selva tosca y ruda:
su aljaba suena, está su bolsa muda;
el perro, pues no ladra, está muriendo.

Buhonero de signos y planetas,
viene haciendo ademanes y figuras,
cargado de bochornos y cometas.”

Esto la dije; y en cortezas duras
de laurel se ingirió contra sus tretas,
y, en escabeche, el Sol se quedó a escuras.

Bermejazo platero de las cumbres,
a cuya luz se espulga la canalla:
la ninfa Dafne, que se afufa y calla,
si la quieres gozar, paga y no alumbres.

Si quieres ahorrar de pesadumbres,
ojo del cielo, trata de compralla:
en confites gastó Marte la malla,
y la espada en pasteles y en azumbres.

Volvióse en bolsa Júpiter severo;
levantóse las faldas la doncella
por recogerle en lluvia de dinero.

Astucia fue de alguna dueña estrella,
que de estrella sin dueña no lo infiero:
Febo, pues eres sol, sírvete de ella
.

Y aquí queda “El rapto de Proserpina” también de Bernini, cuya mano tanto le gusta a Inés:

“El rapto de Proserpina”